Speech Level Singing

¿Qué es SLS?

Speech Level Singing fue desarrollado por Seth Riggs, en Los Ángeles, California y es la base sobre la que más de 120 ganadores de los premios Grammy, cuatro ganadores del Metropolitan Opera,  un sinnúmero de estrellas de Broadway y de cine en Hollywood, ganadores de American Idol  y las principales personalidades de la televisión han construido sus carreras. Seth Riggs es considerado como el entrenador vocal más importante y prestigiado del mundo.

Esta técnica es una forma de utilizar la voz permitiéndole cantar libre y claramente en cualquier parte del rango, haciendo que todas las palabras se entiendan claramente. Puesto que no se está aprendiendo qué a cantar, sino cómo cantar, se puede aplicar esta técnica a cualquier tipo de música.

"Lo que la mayoría de los profesores no entienden es que usted no necesita pensar en veinte cosas diferentes cada vez que abre la boca. Y no se necesita estudiar canto durante más de unas pocas semanas antes de empezar a experimentar resultados positivos. No importa si cantas Pop, Rock, Ópera, o teatro musical. Debes cantar con una técnica que te permite relajarte y concentrarte en la interpretación, que es de lo que se trata de todos modos, ¿no?”

- Seth Riggs -

Seth Riggs (SLS Founder) & Eddie Robson (IVT President)

Preguntas frecuentes a Seth Riggs


Seth Riggs es considerado por muchos como el mejor entrenador de canto (vocal coach) del mundo. Ésta es una traducción de una entrevista donde explica varias de las preguntas más frecuentes por parte de los estudiantes de cantos.

Seth Riggs es el creador de la técnica enseñada en International Vocal Training y es fundador de SLS International. La entrevista ha sido traducida por el vocal coach certificado por Seth Riggs, Eddie Robson.

¿Cómo defines el canto?

Bien, artísticamente hablando, cantar es usar tu voz de una manera musical para comunicar ideas y emociones a una audiencia. Técnicamente, sin embargo, cantar no es nada más que una voz sostenida sobre una frecuencia y un rango dinámico mayor.

¿Cuál es la clave para cantar bien?

La habilidad de mantener siempre la producción del tono a un nivel del habla, cuando se está “conectado” de una parte del rango al otro. Uno no canta como habla, pero es necesario mantener la misma comodidad, postura vocal que se tiene fácilmente producida cuando uno habla, así es que no te esfuerzas para llegar a notas altas ni presionas para llegar a las bajas.

¿Cantar es realmente tan fácil?

Si. No hay grandes misterios involucrados. Pero aunque es sencillo de entender, toma mucho tiempo y paciencia para coordinar todo y que pueda hacerse bien.

¿Cómo clasificas la voz de un cantante?

¡Nunca lo hago! Al menos no inmediatamente. Es incorrecto clasificar una voz prematuramente antes de saber realmente qué es lo que puede hacer y hasta dónde puede llegar. Frecuentemente, la existencia de los rangos es solamente un factor determinante para poner a un cantante en cierta categoría. El factor más importante a considerar es la calidad básica de la voz. Asumiendo que tu voz hablada es clara y sin esfuerzo, tu voz cantada debe estar basada en la calidad de la voz hablada.

¿Qué esperas que tenga el desarrollo en el rango de los cantantes una vez que han estudiado contigo?

Cada quien tiene una habilidad vocal distinta, pero, en promedio:

Los bajos deben poder cantar desde un MI grave a un SOL pasando el DO central.

Los barítonos deben poder cantar un SOL grave hasta un SI natural justo debajo del DO alto de un tenor.

Los tenores deben poder cantar un DO (debajo del DO central) hasta un MI por encima del DO agudo.

Las altos deben poder cantar un DO bajo (debajo del DO central) hasta un DO alto.

Las mezzo-Sopranos deben poder cantar un SOL (debajo del DO central) hasta un MIb sobre el DO alto.

Las sopranos deben poder cantar un SOL (debajo del DO central) hasta un FA sobre el DO alto.

Todas las voces deben de poder mantenerse conectadas, con un tono de producción al nivel del habla a través de todo su rango.

¿No son esas notas extremadamente altas para las voces en esas clasificaciones?

No debería de serlo si la laringe se mantiene en posición relajada, en una posición estable al nivel del habla, permitiendo que las cuerdas vocales se ajusten libremente con el flujo de la respiración. Esas frecuencias son muy buenas entre la habilidad técnica de una gran cantidad de la gente, aunque uno no lo crea. Esa gente no puede mantener esas notas constantemente, pero debe poder cantarlas con muy buena técnica. De esta manera siempre tendrán una reserva de las notas entre los requerimientos del un rango usual de cualquier canción que deseen cantar.

¿Cómo determinas hasta qué tono puede llegar un cantante?

Nuevamente, ¡no lo hago! El tono de un cantante debe de determinarse por su propia anatomía y no por un determinado ideal impuesto por su maestro, ¡o por el estudiante en el peor de los casos! Debe de ser una mezcla de lo más alto, mediano y bajo de las cualidades de la resonancia que resultan cuando la laringe del cantante se mantiene en un posición relajada, posición estable.

¿Qué hay acerca de la respiración? ¿Respirar de una manera incorrecta juega una parte importante en tu habilidad para producir un buen tono?

Por supuesto, pero la importancia de la respiración al cantar ha sido sobreemfatizada por los maestros de canto a través del tiempo. Una respiración correcta es producto de una buena técnica, justo como la calidad de una buena resonancia. No se debe de trabajar directamente la respiración a menos que se tenga una mala postura y la caja torácica se encuentre caída o en depresión (cuando no se controlar el colapso de los mismos cuando se expira el aire). Indirectamente se desarrolla el soporte exacto en la respiración para un tono al igual que la condición de la laringe para no moverse y mantener a los músculos externos relajados. Cuando se usa el nivel del habla, todo, incluyendo cuánto aire se use para mover tus cuerdas, pasará automáticamente.

¿Qué hay acerca de usar imágenes para desarrollar nuestro tono?

Las imágenes vocales no siempre trabajan. Imágenes que invocan una respuesta muscular positiva en la voz de una persona pueden invocar una respuesta negativa en tu voz. Yo prefiero usar ejercicios que tengan una causa definitiva y un efecto relacionado, produciendo los resultados deseados, en lugar de depender de las descripciones nebulosas de la experiencia personal de alguien más.

¿Cuál es la diferencia entre proyección y gritar?

Proyección es el fenómeno acústico que ocurre cuando se produce un tono con un balance eficiente entre el aire y los músculos. Gritar, por otra parte, implica el uso del aire como una explosión, lo cual causa que tu voz se obstruya.

¿Por qué debo de preocuparme tanto por la calidad en mi voz si voy a estar cantando con un micrófono?

La amplificación eléctrica y la alteración de tu voz tienen un lugar muy importante en la comunicación y en los medios de entretenimiento, pero ellos no deben de ser pensados para reemplazar la salud y la producción eficiente de la voz.

¿Tienes que cambiar la producción del tono de voz cuando cantas diferentes estados de ánimo y estilos?

¡No! La mayor diferencia entre los estilos al momento de cantarlos está construida en la música por sí misma, la secuencia de notas y ciertas convenciones de canto que son populares durante un momento y tiempo particulares en la historia. Cuando ajustas tu voz para acompañar ciertas tonalidades “ideales”, corres el riesgo de interferir con la producción del tono a nivel del habla, lo cual es muy peligroso para la salud de la voz. Tu voz puede, sin embargo, estar “coloreada por tu mente”. Si estás pensando acerca de lo que estás cantando, habrá una pequeña diferencia en tu desarrollo, no en la producción básica del sonido.

¿Cómo se selecciona un entrenador vocal?

Primero que nada, debes de discernir entre si es o no es primordialmente un maestro de técnica vocal que te enseña cómo cantar, o si él o ella es primordialmente un maestro que te enseña qué cantar. De los dos tipos, el maestro de técnica vocal es más importante, ya que sin una habilidad técnica para cantar con flexibilidad y claridad en todas las partes de tu rango, estás muy limitado para el material que te den.
Una vez pensado esto, un buen maestro de técnica vocal es muy difícil de encontrar. Muchos llamados maestros vocales son solamente “animadores” vocales, quienes sólo tocan el piano mientras tú los sigues. Esto no es enseñarte a cantar, sin embargo, se obtiene mucha práctica siguiendo el piano y memorizando las notas de una canción.
Además, cuando la metodología de un maestro consiste principalmente en usar términos tales como “pon más soporte”, “canta con el diafragma” y “abre más tu boca”, sabes entonces que estás en el lugar equivocado. Si sientes que tu voz no mejora en las áreas de la producción vocal y que fácilmente no alcanzas la extensión del rango en pocos meses, debes de empezar a buscar a otro entrenador vocal rápido.
Muchos maestros les pasan a sus estudiantes los mismos problemas que ellos tenían, lo cual les destruyó su propia carrera y por lo cual ahora son maestros. Antes de estudiar con un maestro, hazle preguntas para que te demuestre su habilidad vocal, especialmente sobre temas que demuestren su habilidad para dominar las zonas de paso o puentes.

¿Tu técnica vocal debe ser la misma para un coro (ensamble) o para cantar como solista?

Sí, siempre se debe usar la misma técnica, ya sea que cantes solo o en grupo. Sin embargo, los directores corales algunas veces quieren que modifiques tu tono (cambiar la manera en la que cantas) para poder combinarla con los otros cantantes del grupo. Esto no es tan malo para aquellos cantantes que han desarrollado una técnica vocal sólida, pero es peligroso para aquellos, en su mayoría, que no lo han hecho. Cambias tu voz, ¡perfecto! Pero a qué precio. Un cantante nunca debe comprometer su correcta producción y su técnica para lograr cantar al nivel de su voz.

¿Por qué la actitud hacia la música popular ha sido tan negativa en las escuelas de música?

Una de las razones por las que se ha creado un surco en ese aspecto cuando se menciona la música popular en algunas instituciones es que muchos de los cantantes que han realizado grabaciones nunca han llevado un entrenamiento vocal. Pero eso no significa que haya algo malo con esa música, de la cual muchísima es maravillosa. No toda es buena, por supuesto, al igual que no toda la música escrita en cualquier estilo es buena. Es sólo que los estilos tradicionales han tenido más tiempo de poder mostrar el mal material que tienen y por eso la gente los ha olvidado ya.
Otra razón raramente admitida por la falta de atención a la música popular es que la mayoría de los maestros, no pueden enseñarla, tan simple como eso. Aunque la técnica de canto debe ser sencilla y la misma para todos los estilos musicales, los requerimientos estilísticos para la música popular van más allá de su experiencia como maestros. La interpretación de la música popular es un asunto muy personal, lo cual no puede ser un punto para criticar o juzgar el éxito de ejecución de una canción en ese estilo. La calidad del tono y el fraseo es determinada por el cantante. A menudo un maestro evadirá su falta de habilidad en esta área diciendo que el alumno debe de aprender a hacerlo de la manera correcta primero, y después ya podrá cantar las canciones que él quiera, implicando que cualquier canto que no sea ópera es una prostitución del arte vocal.
Su metodología usual, clasificando a los estudiantes por su dicción, color de tono, postura, etc., lo cual puede ser tolerante en el idioma “clásico”, no aplica para nada en los estilos populares como el country, rock, jazz, blues y gospel.

¿Entonces que deben enseñar si no pueden enseñar ese tipo de canciones?

¡Técnica vocal! ¡Sólo técnica vocal! Los maestros no deben sustituir la técnica vocal básica por los aspectos periféricos del estilo de interpretación. Es una cosa totalmente diferente. La mayoría de los cantantes de pop tienen algo en común: es un nivel conversacional. La ópera y otros estilos tradicionales no son siempre de esa manera, pero uno debe estar preparado para poder ir hacia la voz de cabeza sin dejar el nivel del habla. La mayoría de los estudiantes y maestros de ópera basan su idea moderna del tono operístico en el concepto del “perro”, sobreproduciendo el sonido, lo cual es peligroso para la salud y vida de la voz. Lo que es interesante es que los mejores cantantes de ópera (de antes y ahora), cantan en un claro nivel del habla, de manera que eso te permite entender sus palabras mientras cantan en todo su rango. Ese es el mismo ideal que la gente quiere escuchar en cualquier disco de un buen cantante.

¿Cuando un cantante comienza a estudiar técnica vocal, qué material debe cantar?

Debes de evitar cualquier material que requiera de una gran demanda para tu voz, desde un punto de vista dinámico. Hay que seleccionar canciones que sean más melódicas, no aquellas que tienen “punch” o que requieran “dramáticos” movimientos dinámicos. Como ya he mencionado, cantar canciones no es técnica vocal. Sólo porque un maestro te anime a dar de gritos, o te dé pistas sobre cómo interpretar lo que cantas, no significa que estás aprendiendo una buena técnica. La interpretación y el estilo no se sustituyen por la técnica vocal. Sin una buena técnica vocal, el estilo y la interpretación están enormemente restringidos.

¿Cuál es un buen nivel dinámico para practicar?

Mezzo forte (volumen medio) como máximo. Sin embargo, nunca debes olvidar por qué practicas ejercicios. Lo haces para colocar un balance entre la exhalación del aire y las cuerdas vocales, permitiéndote cantar a un nivel del habla, y posteriormente dejando que tu sistema neuromuscular viva con ese balance. Mientras el volumen sube, sólo cantarás tan fuerte como puedas para mantener tu balance con firmeza, vibrato natural. La intensidad o volumen de ese tono vendrá una vez que tu coordinación muscular para provocar las frecuencias de manera libre esté establecida.

¿Cuánto tiempo se debe practicar?

Se debe practicar tanto como se interprete, incluso mucho más. No es la misma cosa. La interpretación en un escenario es la culminación de tu condicionamiento vocal para conocer las demandas artísticas que posicionan a tu voz para el propósito de comunicar y proyectar ideas y experiencias emocionales a la audiencia. La práctica regular de vocalización mantiene tu voz alineada para los efectos de coordinación, por lo cual, cualquier desvío temporal de una buena técnica puede ser reconocido rápidamente y corregido de inmediato.

¿Debes de cantar diferente en los ensayos que en la presentación?

Si, especialmente cuando aprendes algo nuevo. En los ensayos, todos los cantantes conocedores cuidan sus voces, no en el sentido de que no tengas mucho que dar, sino de mantener la voz relajada durante una posible situación de estrés. Los ensayos por naturaleza demandan mucho de una voz. Es parar y volverlo a hacer mientras se aprenden notas, se checa la afinación, se trabaja en la mezcla, y todo lo demás. Eso hace demasiado fácil el volver a caer en viejos hábitos. A pesar de eso, debes hacer lo que es llamado “marcar” tu música, cantando suavemente o incluso bajando las notas una octava, hasta que todas las notas estén aprendidas y sepas lo que esperas de ti mismo. Una vez que sabes hacia dónde vas con tu voz, tu sistema neuromuscular será mucho más cooperativo en ayudarte a cantar con las notas correctas siempre que se tenga la técnica apropiada.

¿Cómo entrenas voces jóvenes, es decir, menores de quince años?

Para los niños y las niñas, una musicalidad básica debe empezar lo antes posible. Un instrumento de cuerdas como el violín, viola o chelo es un buen instrumento para aprender. Les da a los jóvenes un sentimiento de longitud, continuidad, líneas inclinadas, y una calidad de vibrato en los tonos, lo cual es muy similar a la voz cantada. El piano y la guitarra también son muy buenos puesto que le ayudarán en sus estudios futuros de armonía y serán de gran ayuda para un auto-acompañamiento. Naturalmente, con todos los instrumentos, el involucramiento con la lectura musical y el ritmo es invaluable.
Después, como la voz va siendo cada vez más responsiva con los años, la ya activada musicalidad, soporta y aumenta la habilidad musical de manera general.
De tal manera, la voz se va entrenando, sin embargo, uno debe ser cuidadoso. En las niñas, es común encontrar jóvenes alrededor de los diez años que pueden vocalizar fácilmente desde un SOL grave o un LA hasta un MI por encima del DO agudo e incluso más agudo. Y es posible mantener ese inicio asombro si esos manipuladores de los que la voz requiere tanto cuidado no son utilizados con fuerza al cantar. Esto es, competencias de grupos con gente que tiene voces más grandes o la participación en musicales escolares que requieren llegar casi al grito “belting”. Esas voces jóvenes llegarán a ser más robustas, sin pérdida de rango, poder, y calidad, si se toman lo cuidados para mantener la tensión ausente.
En voces masculinas, el cambio de una voz soprano de niño hacia los inicios de la voz masculina adulta puede ser traumático. Puede pasar dramáticamente (por las noches en algunos casos), o suspenderse en un “quiebre limbo”, regresando y avanzando en la frecuencia continuamente entre el rango de una octava por un período de tiempo. Es muy vergonzoso y pueden molestar al niño, incluso puede ser (si el niño ha tenido experiencias de éxito con una bella voz de soprano) una experiencia terrible. No puede haber certeza de que su voz regresará en un estado consistente.
Este es un periodo difícil de vivir, a menos que se tenga un conocimiento y una guía para tener paciencia vocal por medio de un entrenador experto en técnica vocal. El joven debe monitorear regularmente su voz para asegurar que está manteniendo su coordinación al igual que el balance tanto como sea posible mientras ocurre el cambio de voz.